Udo Zembok has been working with transparent medias since 1976. He sees for instance glass not only as a physical media, but as something more – he sees it as a metaphysical intermediary between humans and their experiences with color and light. Throughout his career he has made hundreds of pieces, from small scale ''sculptural-paintings'', to multi media installations in which his glass panels interact with projectors and audio recordings, to monumental, site specific, architectural installations. What Zembok does is akin to a philosophical quest. He is after an effect that is rooted in something conceptual, even spiritual. He wants to create an object that materializes an experience for viewers. He wants to make things that are capable of initiating moments of contemplation that are ephemeral and unexpected, and in which color, light and space can become one. Without a doubt these are lofty goals that he is after, and yet for Open Space, his current exhibition at the MusVerre museum in the North of France, he has come closer to achieving his ambition than in any other exhibition he has held in the past. His breakthrough has come in the form of a work called Coeur II. The piece consists of two convex red walls that face each other like parenthesis, creating an ovular space through which viewers can walk. Sitting directly on the floor, it exerts its authority as an independent form. It takes on the definitive presence of similarly-shaped iconic works by Richard Serra. And yet it also possesses the delicacy and nuance of glass.
Zembok discovered his interest for transparent media while still an art student. He knew that he was inspired by the American artists of the color field movement, who pursued the transcendent qualities of color. But whereas such painters often used pigments, which tend towards opacity, Zembok admired the transparent qualities of watercolor paints. He liked how each successive layer allows the colors of the previous layers to shine through, as though illuminated from underneath.
He wondered how to capture that same luminosity in three-dimensional space. Glass, he realized, was the perfect medium with which to work. Glass allows the colors within it to be activated by light, letting the full depth of color to be perceived by the eye. He also realized that this transparent medium could create a contemplative space, similar to that within a Rothko painting, because in a way, glass contains color ; yet in another way, it projects color. In fact, Zembok realized that when light hits a color-infused pane of glass, the color actually becomes the light and the light becomes the color – they are inseparable.
For more than 40 years, Zembok has been developing this simple idea, with often spectacular results. His most well-known efforts have been in the realm of architectural public art installations.
He has created monumental works for public buildings, cathedrals, and corporate offices. He has also made many sculptural pieces that are installed within buildings, such as the glass partition he created for installation in the Chartres cathedral. Powerful, and sometimes even mesmerizing, these architectural installations often activate the space. These works declare themselves as sovereign entities in a complementary dialog with the surrounding architectural space.
Zembok has often come closer to achieving his goals with his smaller scale series of works he calls Space Colors. These fused thick slabs of glass are imbued with color, and are square or rectangular in form. Their fields of spectral color pull the eye in towards an ephemeral psychic space.
In these forms, Zembok has found the perfect three-dimensional expression of the translucent beauty he has long sought, like watercolor in space.
Phillip Barcio
Article published on IDEELART.COM
ARTENSION
Pas de forfanterie, pas de grands effets, avec Udo Zembok. Si l'art du sculpteur franco-allemand est lyrique, c'est d'un lyrisme serein, tout à la plénitude, à l'extase silencieuse. D'un lyrisme tendu vers l'intérieur, qui remplit et épure le dedans – et non pas d'un lyrisme d'effusion et de débordement.
Une couche après l'autre, par une démarche peut-être comparable aux glacis du peintre, il superpose des plaques de verre revêtues de poudres de verre colorées et les fusionne entre elles. Ainsi obtient-il cette profondeur translucide, aux effets changeants selon la lumière.
Comme chez Marc Rothko, dont le nom ne manque pas de venir à l'esprit, ou comme le Finlandais Mikko Paakola aujourd'hui, il ne s'agit pas d'un art de l'idée, de l'expression, mais d'un support où l'esprit se plonge en lui-même ou dans l' objet même – un support de méditation, c'est à dire d'ec-stase. Comme ceux-ci – et quelques autres, tels Zao Wou-ki ou Chu Teh-Chun, quoique d'une approche distincte -, il est de ces non figuratifs dont l'oeuvre, fatalement limitée, paraît pourtant enserrer l'infini ou plutôt béer comme une fenêtre sur l'inconnu, sur un hors-le-temps et un hors-l'espace. Sur un Hors-les-mots, où l'esprit rationnel se tient coi et lâche la bride au sentiment, à l'émotion, à la sensation.
Dans l'art utilisant le médium verre, Udo Zembok ne fait pas partie des virtuoses ni des démonstratifs. Son art repose sur un langage simple, porté à l'excellence, qui tient à une intensité chromatique pénétrante.
Mikaël Faujour
Revue ARTENSION
INTRO
(English)
Udo Zembok was born in 1951 in Braunschweig, Germany.
From 1972 to 1976 he studied graphic arts and painting in Braunschweig and Bonn, soon afterwards concentrating solely on working with glass, attracted by the resonant qualities of light and the way it metamorphoses in glass, the only material capable of showing the full depth of color:
“While a student I discovered transparent color, the color of watercolors that gives the illusion of being light. By ‘tearing up the opaque screen’, in other words the artist’s canvas, and replacing it with glass, my search for the transparency of light and color took shape naturally.”
After living in Amsterdam for two years, he moved to France in 1978, first to Saint-Menoux near Moulins and then settling in Alsace in 1991.
He met Pascale Zembok in 1998. Today they live in Menton, on the French Riviera, where together they conceive the artistic concepts used in their public-art projects.
Author of a large number of works commissioned for public and privately owned religious and civil buildings in the Netherlands, Great Britain, the United States, Belgium, Switzerland, Italy, Germany and France, he has developed and applied new techniques from industry that use very large sheets of colored glass using pigments, fused together and thermoformed in large kilns.
He explores the possibilities opened up by these innovative techniques that aim to redefine the relationship that stained-glass art has with architecture by making it possible to produce large monolithic windows that do not require a lead structure.
He explores the possibilities opened up by these innovative techniques that aim to redefine the relationship that stained-glass art has with architecture by making it possible to produce large monolithic windows that do not require a lead structure.
He uses these techniques to create walls that continue to play with the light in different ways, always trying to create a large area, a wall where the language of color can express itself to the full, making the conventional term stained-glass window inappropriate.
Working to create walls freed of the fragmentation of traditional stained-glass
windows, he also creates another effect when light passes through colored
glass.
windows, he also creates another effect when light passes through colored
glass.
As early as 1999 his work led him to observe:
“Traditionally, the stained-glass window is revealed by light passing through it. My current work is aimed at broadening this concept. A second light source lights it up from in front, resulting in a different interpretation that complements the first one.
One naturally imposes itself on the viewer and the other calls for active
participation by the viewer.
Held out between these two qualities of light, my walls, made up of several layers of glass fused together, appear like spaces half way between transparency and opacity, between matter and void, between stained-glass and painting.
participation by the viewer.
Held out between these two qualities of light, my walls, made up of several layers of glass fused together, appear like spaces half way between transparency and opacity, between matter and void, between stained-glass and painting.
They give off light that opens up an inner space, revealing layers of superimposed images, which the viewer synthesizes into a composition.
Each of these layers is treated to give it texture, or by adding enamels and grisailles, or by incorporating powdered glass.
Similar to “pâte de verre”, using this technique one can develop a broad
range of aesthetic languages.”
range of aesthetic languages.”
ln parallel, using similar techniques he creates glass objects that are independent of the structure of a building, producing works such as the series entitled Hommage à Rothko (2000-2002), Complémentaires 1 (2003), Colourfields (2005-2008) and Contrastes simultanés (2004-2006). His most recent research features monochrome compositions.
Udo Zembok has been invited to take part in many collective exhibitions organized in France, Germany, Belgium, the United Kingdom and Poland. A number of personal exhibitions all over Europe and in the United States have helped raising the profile of his work and research.
He has been awarded several important distinctions, including notably:
The Liliane Bettencourt Prize, Paris, 2001; the Grand Prix Art+Crafts, France, 2003; and the Coburg Glass Prize for contemporary glass art in Europe, 2006.
He has been awarded several important distinctions, including notably:
The Liliane Bettencourt Prize, Paris, 2001; the Grand Prix Art+Crafts, France, 2003; and the Coburg Glass Prize for contemporary glass art in Europe, 2006.
The two sides to his work, his monumental commissions and his independent works lead Udo Zembok to define himself as a sculptor and glass artist. He works in his own studio when creating his personal and smaller pieces, collaborating with master stained-glass artists’ studios for his most monumental commissions that require more space, bigger furnaces and additional qualified people.
Thus, the painter Udo Zembok has moved on from superimposed material colors that reflect light to colored light that transmits visible light.
He has become a glass artist who paints with light, making it visible in space and modulating it by revealing the volume of which the glass work forms a part.
He has become a glass artist who paints with light, making it visible in space and modulating it by revealing the volume of which the glass work forms a part.
Since-his first commission in 1976 in Amsterdam, where he tried out his first rudimentary experimental work using colored glass between two sheets of wired glass, Udo Zembok has never stopped experimenting and evolving, using the projects he has completed over the past thirty years to develop a range of techniques and architectural approaches, all of which have been developed using the major theme of the experience of color; expressed through monolithic glass works, obtained by superimposing several layers of colored glass like layers of glaze.
He now experiments with the “third dimension of color” leading him to work alongside his commissioned projects for specific buildings on various series of small independent pieces, two mutually enriching and complementary aspects of his work that enable him to reveal the optical powers of color treated in this way.
“These more intimate and personal works are a laboratory of aesthetic and formal ideas. Technically, I have always refined the processes used to give a profound meaning to the material. I take on the third dimension not as a sculptor but as a painter: My field of research remains color and the expressiveness of colors a subject and not as an attribute.
The language created by color is not conceptual but immediately felt. I remove all reference to a narrative interpretation by emphasizing monochrome and bichrome compositions. The work is expressed in way the colors encounter each other: It is this that tells a story.
My approach aims to detach the colored, optical phenomenon from its material medium in order to get closer to the immaterial origins of color.”
In his sculptures, Udo Zembok attaches great importance to using layers of glass. By arranging color inside the material itself, between the fused layers of glass, color and light produce a phenomenon of resonance that emanates from his sculptures.
What’s more, Udo Zembok’s colors are produced by placing several colors together. To obtain a red for example he superimposes purple, orange and mauve in the same way a painter would do with glazes.
In Udo Zembok’s work, in a small piece there is always the essence of a large one. Conversely, by moving closer to the material in his monumental glass works and fragmenting them visually to discover the mystery of their depth, the viewer can make out a number of potential smaller pieces.
INTRO
(français)
Udo Zembok est né en 1951 à Braunschweig, en Allemagne.
De 1972 à 1976, il a étudié les arts graphiques et la peinture à Braunschweig et Bonn, et s’est ensuite rapidement consacré exclusivement au travail du verre, attiré par les vibrations de la lumière et ses métamorphoses au sein de ce matériau, le seul à même de montrer la couleur dans sa profondeur.
« Au cours de mes études, j’ai découvert la couleur transparente, celle de l’aquarelle qui donne l’illusion de la lumière. En déchirant l’écran
opaque, c’est- à dire la toile du peintre, et en la remplaçant par le verre, la recherche de la transparence lumineuse et colorée a pris corps tout
naturellement. »
« Au cours de mes études, j’ai découvert la couleur transparente, celle de l’aquarelle qui donne l’illusion de la lumière. En déchirant l’écran
opaque, c’est- à dire la toile du peintre, et en la remplaçant par le verre, la recherche de la transparence lumineuse et colorée a pris corps tout
naturellement. »
Après un séjour de deux ans à Amsterdam, il s’établit en France en 1978, d’abord à Saint-Menoux près de Moulins, puis s’installe en Alsace à partir de 1991.
Il rencontre Pascale Zembok en 1998. Ils vivent aujourd’hui à Menton sur la Côte d’Azur, où ils créent ensemble les concepts artistiques élaborés pour les projets d’art public.
Auteur de nombreuses commandes réalisées pour des édifices religieux et civils, publics et privés aux Pays-Bas, en Grande-Bretagne, aux Etats-Unis, en Belgique, Suisse, Italie, Allemagne et France, il a développé et appliqué des techniques nouvelles, issues de l’industrie, qui mettent en oeuvre de très grandes plaques de verre coloré à l’aide de pigments, fusionnées entre elles et thermoformées dans des fours de taille importante. Il explore les voies ouvertes par ces techniques innovantes qui tendent à redéfinir l’art du vitrail dans son rapport à l’architecture en permettant la réalisation de verrières monolithiques de grandes dimensions, sans armature de plomb. Il élabore ainsi des parois qui jouent avec la lumière de manière renouvelée, toujours à la recherche de la grande surface, de la paroi où le langage de la couleur peut s’exprimer pleinement, le terme classique de vitrail devenant alors inapproprié.
Travaillant à réaliser ces parois affranchies de la fragmentation des vitraux traditionnels, il propose également une autre intervention de la lumière au travers du verre coloré.
En 1999 déjà, ses recherches l’amenaient à constater:
« Traditionnellement, le vitrail se révèle par une lumière qui le traverse. Mes recherches actuelles proposent un élargissement de ce concept. Une
deuxième source lumineuse les éclaire du devant et apporte une lecture différente, complétant la première. L’une s’impose naturellement au regard et l’autre appelle une participation active du spectateur. Tendues entre ces deux qualités lumineuses, les parois, composées de plusieurs couches de verre fusionnées entre elles, apparaissent comme des espaces intermédiaires entre transparence et opacité, entre matière et vide, entre vitrail et tableau. Il s’en dégage une lumière ouvrant un espace interne, laissant apparaître des strates d’images superposées, ou le regard les synthétise en une composition.
En 1999 déjà, ses recherches l’amenaient à constater:
« Traditionnellement, le vitrail se révèle par une lumière qui le traverse. Mes recherches actuelles proposent un élargissement de ce concept. Une
deuxième source lumineuse les éclaire du devant et apporte une lecture différente, complétant la première. L’une s’impose naturellement au regard et l’autre appelle une participation active du spectateur. Tendues entre ces deux qualités lumineuses, les parois, composées de plusieurs couches de verre fusionnées entre elles, apparaissent comme des espaces intermédiaires entre transparence et opacité, entre matière et vide, entre vitrail et tableau. Il s’en dégage une lumière ouvrant un espace interne, laissant apparaître des strates d’images superposées, ou le regard les synthétise en une composition.
Chacune de ces couches est traitée soit en relief, soit par des apports d’émaux ou des inclusions de poudres de verre.
Proche de la pâte de verre, cette technique permet le développement d’un large éventail de langages esthétiques. Parallèlement, il travaille avec des techniques similaires à la création d’objets de verre indépendants de la structure d’un édifice, et a produit notamment une série d’oeuvres intitulées Hommage à Rothko (2000-2002), Complémentaires (2003), Colourfields (2005-2008) et Contrastes simultanés (2004-2006). A partir de 2008 ses recherches s’orientent vers des compositions monochromes. Udo Zembok a été invité à participer à plusieurs expositions collectives en France, Allemagne, Belgique, Angleterre et Pologne. De nombreuses expositions personnelles dans toute l’Europe et aux Etats-Unis ont contribué à faire connaître son travail et ses recherches. Plusieurs distinctions importantes lui ont été remises, parmi lesquelles on peut retenir le prix Liliane Bettencourt, Paris, 2001, le Grand Prix national des Métiers d’Art, France, 2003, le Coburg Glass Price for contemporary Glass Art in Europe, 2006.
La double facette de son travail, commandes monumentales et oeuvres sculpturales indépendantes, amène Udo Zembok à se définir comme plasticien verrier.
Il réalise dans son propre atelier les pièces personnelles ou de dimension réduite, et s’associe à des ateliers de maître-verrier pour les commandes les plus monumentales, nécessitant des espaces et des fours de plus grande taille, une main-d’oeuvre plus nombreuse et qualifiée.
Le peintre Udo Zembok est ainsi passé des couleurs, matières superposées qui réfléchissent la lumière, aux couleurs lumières qui transmettent le rayonnement lumineux.
Il est devenu ce verrier qui peint avec la lumière, qui la laisse voir dans l’espace, la module en révélant le volume dans lequel la verrière s’inscrit. Depuis un parcours commencé en 1976 à Amsterdam, ou il inaugurait ses premiers essais rudimentaires de verres déjà fusionnés entre deux plaques de verre armé, Udo Zembok n’a jamais cessé de chercher et d’évoluer en déclinant, lors de ses projets élaborés au cours des trente dernières années, plusieurs techniques et approches architecturales, mais toujours développées autour du thème majeur de l’expérience colorée, vécue au travers de verrières monolithiques, obtenues en superposant plusieurs couches de verre coloré, comme autant de couches de glacis.
Il est devenu ce verrier qui peint avec la lumière, qui la laisse voir dans l’espace, la module en révélant le volume dans lequel la verrière s’inscrit. Depuis un parcours commencé en 1976 à Amsterdam, ou il inaugurait ses premiers essais rudimentaires de verres déjà fusionnés entre deux plaques de verre armé, Udo Zembok n’a jamais cessé de chercher et d’évoluer en déclinant, lors de ses projets élaborés au cours des trente dernières années, plusieurs techniques et approches architecturales, mais toujours développées autour du thème majeur de l’expérience colorée, vécue au travers de verrières monolithiques, obtenues en superposant plusieurs couches de verre coloré, comme autant de couches de glacis.
Ses expériences portent désormais sur la « troisième dimension de la couleur » et l’amènent à travailler en parallèle à des oeuvres de commande, réalisées pour des architectures spécifiques, et à des séries de pièces indépendantes, de dimensions réduites, deux aspects de son travail qui s’enrichissent et se complètent mutuellement, et lui permettent de montrer les pouvoirs optiques de la couleur ainsi traitée. « Ces oeuvres plus intimes et plus personnelles sont un laboratoire d’idées esthétiques et formelles. Techniquement j’ai toujours affiné les procédés pour permettre cette lecture en profondeur de la matière. j’aborde la troisième dimension non comme un sculpteur, mais comme un peintre. Mon champ de recherche reste la couleur, l’expressivité de la couleur comme sujet et non comme attribut. Le langage crée par la couleur n’est pas conceptuel, mais immédiatement ressenti. j’enlève toute référence à une lecture narrative en mettant l’accent sur les monochromies ou les bichromies. La rencontre entre les couleurs vaut pour elle-même. C’est elle qui raconte une histoire. Ma démarche tend à détacher le phénomène coloré, optique, visuel, de son support matériel pour s’approcher des origines immatérielles de la couleur. »
Dans ses sculptures, Udo Zembok attache une grande importance au feuilletage du verre. En disposant la couleur dans la matière même, entre les couches de verre fusionnées, couleur et lumière provoquent un phénomène vibratoire qui émane de ces oeuvres. Les couleurs d’Udo Zembok résultent d’ailleurs d’un assemblage de plusieurs teintes. Pour obtenir, par exemple un rouge, il superpose un violet, un orange, un mauve, comme un peintre le ferait avec des glacis.
Chez Udo Zembok, il y a toujours dans un petit format l’essence d’un grand. Réciproquement, en se rapprochant au plus près de la matière, de ses verrières monumentales, en les fragmentant visuellement pour en découvrir le mystère de leur profondeur, le spectateur peut y déceler
nombre de petits formats à venir.
Chez Udo Zembok, il y a toujours dans un petit format l’essence d’un grand. Réciproquement, en se rapprochant au plus près de la matière, de ses verrières monumentales, en les fragmentant visuellement pour en découvrir le mystère de leur profondeur, le spectateur peut y déceler
nombre de petits formats à venir.